Formas e Ideas: Lecturas de un Territorio Fracturado (Parte I)

A diferencia de los -anteriormente citados- espacios de la Casa de la Cultura de Puebla, el Museo Amparo se distingue por ser selectivos en sus exposiciones, consiguiendo un amplio acervo de arte contemporáneo (aparte de las colecciones prehispánicas y de arte virreinal) que ha significado en un referente del quehacer estético mexicano desde las últimas décadas del siglo XX hasta la actualidad, incorporando artistas con gran variedad de discursos y medios.

Ahora han tomado como tema el territorio para curar una amplia exposición colectiva titulada Lecturas de un Territorio Fracturado. En el texto introductorio de la muestra se cita que

“… la idea de fractura alude al complejo panorama de producción artística local, fisurado por la realidad social y política del país.”


Texto que por más que intento desmenuzar me es imposible, pues nunca he visto ni en los espacios del Museo Amparo ni en los del Museo de Ferrocarriles Mexicanos, exposición de algún artista local.

De los argumentos de las curadoras Amanda de la Garza y Cecilia Delgado tomo para el presente texto el imaginario popular, el discurso oficial y los territorios sofocados por la violencia, como puntos de partida para referenciar algunas de las piezas expuestas. Cabe mencionar también que en este texto abarcaremos solamente piezas tridimensionales, tales como escultura e instalación.

La visita da comienzo con un muestrario sustentado en el imaginario popular visto desde la contemporaneidad, con una reagrupación de artesanía muy particular y poco usual, a cargo de Eduardo Abaroa y Sofía Táboas, dichas piezas artesanales provienen de diferentes partes de los estados de Oaxaca, México y Puebla, tal es el caso del barro bruñido de Los Reyes Mezontla, pero también piezas de arcilla sin pulir, consiguiendo un contraste de texturas en el acabado; de la misma manera que se presenta el ónix, la obsidiana y la piedra volcánica; el cemento y la madera; o el metal y la resina epóxica

Eduardo Abaroa se ha distinguido por enfocar su obra en la simbología, en los iconos culturales. Sofía Táboas, por su parte, es una artista enfocada en el territorio, en los espacios naturales y espacios fabricados, la construcción, transformación, lo temporal o permanente y los límites de dichos espacios; de ahí que las plantas sean un elemento fundamental en su narrativa, contraponiendo los elementos naturales y los artificiales, tales como materiales de construcción, plásticos, bombillas, etc.

Los objetos logrados son producto de un imaginario basado en las plantas, en las que los animales se funden y transforman a medias, pero esta imaginiería mítica no estaría completa sin una adecuada ambientación, lo cual se logra por la luz tenue pero bien proyectada sobre los objetos, cuyas sombras se arrojan en los muros, creando una mítica atmósfera.

Complementa la presencia de un video donde también es la flora la protagonista, capturando imágenes que remiten a la vida animal desde la vegetal. No hablaré de ello, preferiría que el espectador descubra y haga su propia interpretación de imágenes.

Con su propuesta estos artistas también abordan el imaginario colectivo (desde los productos artesanales) y el discurso oficial, pero con una mirada crítica y de atención por el medio ambiente.

Todo este trabajo cuidadoso, que llevó un tiempo de colección, un tiempo de facturación, de selección, además del montaje y la escenografía, se ve obstaculizado y contaminado por el exceso de cableado en el suelo, lo cual requiere una básica solución técnica.

Continuando con las evocaciones de nuestras identidades territoriales nacionales, se expone la obra del artista e ingeniero industrial originario de San Pedro Actopac (Milpa Alta) Fernando Palma y su escultura mecatrónica Mi nombre es coyote ¿y tú cómo te llamas? En la que hace alusión a elementos de la vida cotidiana en el campo, a los ornamentos, complementos de vestimenta, artefactos tradicionales modificados por la modernidad irremediable, en una confrontación disímil, y al mismo tiempo en una diálogo de aceptación, curiosidad y acercamiento. El trabajo de este artista oscila entre la cultura prehispánica y la ingeniería, contrastando constantemente los elementos: la devastación ecológica provocada por la modernidad y la capacidad de trasformación del mundo por medio de la ingeniería. Palma estudió arte en Londres y robótica en Holanda, por lo que podría decirse que tu territorio discursivo oscila entre opuestos culturales, opuestos cotidianos y la capacidad de pervivencia a través del tiempo.

fernando-palma

Otras piezas interesante son las de Edgar Orlaineta, más ignoro sin son interactivas o se trata de una activación metafórica, pues no se aprecia movimiento alguno entre las piezas en equilibrio, ni oportunidad de interactuar con las mismas.

En su trayectoria artística, Orlaineta sostiene una visión critica hacia en la modernidad, su comunicado y contradicciones (mismas que se ven prolongadas en el ensayo posmoderno). Aquí presenta pequeñas piezas apegadas al diseño industrial, en el que la geometría y la simetría están presentes, pero en un campo de relación física, geográfica, presencial con objetos de la vida cotidiana, pero objetos significativos como los libros antiguos, cuyos temas pautan la presencia específica de los objetos tridimensionales relacionados. No se deja al azar, ni a la simple organización del espacio intervenido, cada pequeño espacio tiene su propia historia.

“… creo que los objetos cotidianos o de la realidad anclan el trabajo al mundo real..”

Edgar Orlaineta.

Los materiales utilizados para facturar las piezas son los materiales primigenios para artefactos, para objetos de uso cotidiano o ritual, por lo que también redirecciona hacia la artesanía, al respecto el artista ha declarado que

“Estos materiales … son muy nobles, ofrecen infinitas posibilidades y de algún modo también se vinculan con lo más primitivo del hombre. Si hablamos de la madera, creo que fueron de los primeros materiales en ser manipulados, pienso que todo el mundo tiene una forma de ver la madera que es benévola, está cerca de nuestra consciencia, de nuestros arquetipos, sí es algo que ha evolucionado, pero que también se relaciona con la historia y el origen propio de los materiales.”

Edgar Orlaineta

Finalmente mencionar que cada conjunto se ha dispuesto a manera de maqueta en su respectiva estantería metálica en blanco o negro, de proporciones que invaden radicalmente la altura de la sala; sin estas, las maquetas quedarían deslucidas por sus dimensiones. Para Orlaineta la escala humana es fundamental en su trabajo, trabaja sus piezas como objetos utilitarios.

Una característica del trabajo de Gabriel Orozco en la transformación de los objetos y, principalmente, de los juegos de mesa, tal es el caso de Horses Running Endlessly, en donde muestra un tablero de ajedrez únicamente con caballos tallados en cuatro diferentes tipos de madera, lo mismo que el tablero, lo que ofrece una reinterpretación del juego por medio de un contemporáneo Ready Made, con una alteración cromática y numérica del más racional y lógico de los juegos.

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Mariana Castillo es una artista cuyo lenguaje fluctúa entre la geometría y la imagen, en su pieza Between You and the Image of you that Reaches me está conformada por tres soportes diferentes: un video, una reproducción de la Coatlicue en fibra de Vidrio y papel finamente recortado. Son lenguajes desligados pero que si están vinculadas con disciplinas que han estado presentes en su trayectoria artística, tales como la arqueología, la historia, la antropología, la filosofía y la literatura. De esta manera podemos ver una mirada crítica al discurso oficial nacionalista predominante en el siglo pasado en este país donde los descubrimientos arqueológicos formaban parte del discurso oficial. Por una parte una diosa prehispánica fragmentada, reproducida en fibra de vidrio, en grandes dimensiones y tirada a medio pasillo, recordando el cómo se encontró en 1790 en la Plaza Mayor y qué más ligado al territorio que la diosa de la tierra, madre de todos los dioses del panteón mexica.

Otro trabajo de Castillo Deball es un gran papel recortada a manera de filigrana, cuyas formas provocan interesantes sombras en el muro que le sostiene irregularmente y que conserva un diseño fundamentado en las formas prehispánicas, pero el montaje anómalo, aparentemente desordenado del papel, ofrece diferentes lecturas sin poder omitir refinamiento en el trabajo y delicadeza desde la apreciación visual, que se nutre con la diversidad de intensidad y grosor de las sombras provocadas.

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Una pieza importante es la proveniente de Noé Martínez.Un acto antes de un concepto que si bien consisten en imágenes, éstas se han dispuesto a manera de instalación invadiendo un espacio considerable de la sala en paneles de madera que en conjunto conforman una videoinstalación. También presenta y en peanas de baja altura objetos de cerámica y pastas pigmentadas con la misma temática de las imágenes: peces y todo el proceso que vincula a estos animales con la supervivencia humana: alimentación, economía, modos de vida en torno a la laguna, al agua, vida e intercambio en comunidad; por lo que en realidad las imágenes y los objetos son complementarios y se matizan con las únicas piezas pigmentadas y recortadas geométricamente en un simplificado montaje.

Martínez es un artista originario de Michoacán cuyo discurso se fundamenta en dos ejes centrales: la identidad y la memoria. Apegado a su territorio purépecha, toma elementos de su cultura, naturaleza, utiliza el arte como medio que vincula el pasado con el presente, entre la historia y la actualidad, en una búsqueda del entendimiento de nuestra cultura actual

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De Minerva Cuevas se presenta una instalación en que se señala el desequilibrio provocado por la ambición humana en perjuicio de los animales marinos. El título Hidrocarburos consiste en otra videoinstalación conformada por imágenes intervenidas por la artista, en pequeños objetos facturados con materiales que tienen como base de producción el petróleo, así como los combustibles de mayor demanda. Por lo tanto su discurso se sustenta en le territorio marino, animal, ambiental, en contraposición con las demandas de la tecnología, el consumo y la explotación de los recursos naturales.

Un eje conceptual de Cuevas en su trabajo artístico es el replanteamiento del rol que juegan las grandes corporaciones. Otro eje son las relaciones de poder existentes entre la política, la producción y el consumo. Su obra ejerce un impacto visual para orillar a la reflexión, dejando muy en claro su inconformidad y resistencia.

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Finaliza la muestra con una instalación de Carlos Amorales titulada Incorruptibles y que reside en cabezas de águila recortadas en aluminio y dispuestas en forma de serpiente a lo largo de un pasillo exterior. Evidentemente alude al discurso oficial que se ha utilizado desde la fundación de Tenochtitlan y hasta nuestros días, pero también a la incorruptibilidad del material, del acero, una irónica forma de referirse a la principal connotación política social y cultural de nuestro territorio. Amorales es un artista a quien le caracteriza el uso de códigos y sus posibilidades de lenguajes, de expresión y de comunicación., incluyendo símbolos, gestos, imágenes y sonidos. En esta muestra no hace la excepción, ya que utiliza el código mexicano por excelencia.

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Como podemos ver se trata de una muestra que permite que el espectador tenga o desarrolle su propia experiencia cognitiva o perceptiva del espacio, pero también del territorio propio y del ajeno.

En cuanto al uso de materiales, desde la modernidad se han venido utilizando los industriales, desde las primeras vanguardias se utiliza el papel tapiz, el metal, la madera, el collage, el cemento. Ahora los materiales más presentes los plásticos, ya que permiten una transformación a voluntad del artistas y, al mismo tiempo, permite una larga vida, una perdurabilidad de la pieza.

Por último, se habrán percatado que muchos de los títulos puestos por los artistas están en inglés. El idioma también es parte del territorio. Es decir hoy en día no se considera el territorio como meramente geográfico, ya que éste tiene un contenido y el idioma es parte del mismo. Por mucha mirada crítica que plantee el artista en su obra, ésta se desdibuja en el título, pues si bien con el cambio de idioma le internacionaliza, le globaliza, pero también delata una separación de su territorio de origen.